Komives, Design Editor at the Orlando Sentinel in Orlando, Fla. for the past five years, has also directed the Society’s quick course design workshops since 2007. In his eight years on SND’s board of directors, he has also served as SND Diversity Director and organized two annual SND conventions — 2006 in Orlando and 2002 in Savannah, Ga. His first day as SND executive director will be Nov. 16.

Komives was chosen through an international search process coordinated by 12 SND leaders in five countries and was confirmed unanimously by the board of directors today. He succeeds Elise Burroughs, SND’s executive director since 2004, who is leaving the organization at the end of the year to explore new options.

In making its selection, the search committee lauded Komives for his deep understanding of the issues facing SND, his strong ideas about driving membership and participation, his fortitude in handling big change and his passionate, optimistic leadership style. Komives, who is fluent in Spanish, also has an impressive international background that will facilitate the Society’s global outreach efforts.

SND founder and former SND President Richard Curtis, who anchored the search committee, said Komives typifies all that SND was looking for in a successful candidate: a mastery of his craft, in-depth knowledge of the industry, a commitment to inclusion and diversity, and above all, talent.

“Stephen is articulate, thoughtful, obviously very, very bright,” said Curtis, a founding editor of USA Today. “He has a level-headed assessment of what the job entails, what the job can do, and what success will look like. His answers to our questions were succinct, engaging and illuminating. I have trouble even imagining a superior candidate.”

At the Orlando Sentinel, Komives oversaw the organization’s visual report, developing a team of information designers in print and digital media. He successfully led that team through several challenging transitions, including multiple redesigns and staff reorganizations; the launch of new sections; corporate-level content sharing initiatives; and the creation of a digital-first newsroom.

Prior to joining the Sentinel, he was at the Savannah Morning News in Savannah, Ga., for nine years, the last seven as a planning editor for daily coverage and long-term projects. He also held editing and design jobs at the Santa Fe New Mexican and The Advocate in Stamford, Conn.

“SND has always been about transitions, whether for members moving on to new roles, or news organizations grappling with new ventures,” said Komives. “At every key transition point in my career — learning to design, learning to lead others, learning to lead change — SND has had immense value to me. That’s why I’m excited to take on this role and help give back.”

Komives is a graduate of the University of Connecticut and holds a master’s degree in journalism from Columbia University.

The 30-year-old Society for News Design represents 1,300 visual journalists in more than 50 countries. As executive director, Komives will be responsible for both the long-term and day-to-day management of the society and its enterprises, including member services, publications, educational direction, design competitions and annual conventions. He will represent SND to other organizations around the world and will work closely with the president of the SND Foundation, the nonprofit education and research effort of SND.

Members of the search committee were:

• SND President-elect Kris Viesselman, Director of Digital Product Development for National Geographic Maps

• Vice President Bonita Burton, Visuals Editor at the Orlando Sentinel

• Secretary/Treasurer Steve Dorsey, Deputy Managing Editor for Innovation at the Detroit Free Press

• Immediate Past President Gayle Grin, Managing Editor for Design and Graphics at the National Post

• International Director Hans Peter Janisch, a consultant with Zeitungs-und Kommunikationsdesign in Grossenlueder, Germany

• Competition and Judging Director C. Marshall Matlock, Emeritus Professor at Syracuse University

• Region 3 Director Melissa Angle; Senior Designer at the Atlanta Journal-Constitution

• Education and Training Director Denise Reagan, Assistant Managing Editor for Visual Journalism at the Florida Times-Union

• Executive Committee Advisor Cristobal Edwards, Professor of Visual Journalism at Pontificia Universidad Catolica de Chile in Santiago

• SNDS member Anna Thurfjell, Design Director at Svenska Dagbladet in Stockholm

• SND Past President Nanette Bisher, former Creative Director of the San Francisco Chronicle

• SND Founder and Past President Richard Curtis, retired Managing Editor for Photo and Graphics at USA Today

Tyson likes to make the analogy that he himself is a Web page and talk about how he himself is coded. Yesterday:

today:

>

If you want a good start at learning the Web, watch SND’s calendar page and start with this course.

Quick course instructors Tyson Evans and Dave Wright answer five frequently asked questions from print designers looking toward the Web. Sign up for their Web Design Boot Camp in Chicago, November 7-8, to learn more.

1) Do I have to be a geek to build a web page?

Yes — but merely a different type of geek than you already are. Print designers have learned some relatively arcane systems (CCI, anyone?), this is just a different type of geekery. The learning curve is a bit steeper, but certainly not insurmountable — particularly considering the wealth of frameworks and help available on the Web now. Pixels will seem like a breeze if you’re used to doing your math in increments of 1/6th of an inch. The plus: These skills are applicable to any industry. The same HTML/CSS skills you learn to build a newspaper Web site could get you a job at Facebook or Google.

2) Everyone says I have to learn Dreamweaver. Is that true?

Nope. In fact, you should stay away from Dreamweaver at all costs.

If you want to learn to build great Web sites, you have to understand the fundamentals of CSS and HTML. Dreamweaver and other ‘What You See Is What You Get’ editors try to help you by automatically writing code that is probably over complicated and is never exactly what you want. Writing your own code with a text-based editor means you have precise control over what you’re making. And those explicit decisions are the best learning mechanism there is. At the end of the day, this is the only way to get exactly what you want and satisfy the OCD tendencies we know you all have.

3) I feel like I’m hopelessly behind in my understanding of technology? Are there ANY print skills that will translate?

Absolutely, and the asset that will most easily translate: Your eye. There’s a whole legion of computer scientists who know how to code but are clueless when it comes to color, typography, visual hierarchies, user experience and a ton of other skills you’ve honed as a print designer. Web design has borrowed a lot from print design, including a fairly widespread reliance on grid systems.

4) The IT department says I can’t touch our templates, so what’s the point?

There’s a whole lot of Web beyond your main site that’s ripe for invention and improvement. Maybe you can build internal tools (like a Wiki, blog or database reporting tool). Or, maybe you can build a prototype or stand-alone site that doesn’t live on your main site (for special events or breaking news). Not to mention all the personal or freelance work available (design your portfolio, or volunteer to rebuild a non-profit’s Web site). And, if nothing else, you’ll at least have the vocabulary and mindset to have smarter conversations with the people who can change your publication’s Web site. Prove yourself on the small projects and you’ll accumulate trust to tackle the big ones.

5) Isn’t Flash what all the cool kids are learning these days?

Depending on the context, Flash can be the perfect tool. But it’s not a silver bullet, and it’s often misused or overused. Interactive graphics, bold data visualization, timelines, slideshows, video players… these are all prime candidates for Flash (and, by Flash, we really mean ActionScript). But HTML, CSS and JavaScript are the bread and butter of the Web. These tools are standardized, open source, ubiquitous, ripe for Google and incredibly flexible. Sites built with HTML also translate easily to other platforms like mobile phones.

Looking for training? Sign up for Tyson and David’s Web Design Boot Camp in Chicago, November 7-8.

Iniciando las charlas del segundo día, John Grimwade dejó la vara alta para los siguientes expositores que le seguirían. Y es que el británico entregó una cátedra de infografías y su futuro a las cerca de 100 personas que disfrutaron de los consejos del experimentado.

“El diseño de información se hace cada vez más importante considerando la explosión informativa”, fueron los primeros dichos de Grimwade refiriéndose a la época que viven los periódicos y otros medios que a su modo están muriendo. Fue así como el expositor le dio énfasis a que las infografías son y serán importantes, debido a que son las únicas las capaces de abarcar tanta información.

Tal como dice el británico la sociedad vive en una época interesante, pero el mundo depende mucho de nosotros. “Nos encontramos en una transición de información en que las infografías deben tener prioridad”, mencionó el expositor.

Dentro de la hora de exposición Grimwade contó de qué manera descubrió sus intereses por realizar diseños infográficos, mostrando imágenes entretenidas que cautivaron a los espectadores. Además, mostró como se hace un proyecto, con sus respectivos bosquejos y dio algunos ejemplos de buenas infografías.

Con una mirada a la actual escena de las infografías Grimwade demostró por qué actualmente es uno de los directores de infografía más importantes y respetados del mundo. La ovación luego de concluir la charla fue evidente, quienes esperan algún día repetir esta experiencia.

The Centro Cultural Borges is now less flooded by foreigners speaking English. Sure, there’s the odd tourist here and there, but nothing compared to the massive flow of “americanos” who were there from September 24-26. And sure, the 2009 workshop is over and done with, but there’s still plenty to think about and a lot to apply to one’s work.

How can you sum up three days of visual and graphic information? The whole experience was exhaustive and inspirational, with top designers, journalists and photographers giving you an inside perspective of the industry. However, it would be pointless to synthesize what they said, and not because what they said was useless. All of it was a priceless and valuable lesson to all the students who attended the student program, and to all the South Americans who were finally able to be physically in one of the SND seminars. It was, in fact, all very useful, but the key lesson is not what they said, but what we will apply to what we do and how we do it.

Nigel Holmes said it, and plenty of other information designers said it as well: keep it simple, keep it clean. “Simplification means getting rid of the unnecessary and letting the necessary speak”, explained Holmes in his opening conference. And that’s true, sure enough, but it’s not the eye opening mantra for most designers. Let’s face it: most of us already have that line in our heads. Karl Gude said it, Alberto Cairo implied it, James de Vries and John Grimwade showed it to us. They all did, and it wasn’t a critical seminar, but an inspirational one.

It’s much more than white space and dealing with simplification. It’s about the future and adapting to change, understanding the numbers of the industry and realizing that simplicity, cleanliness comes from going back to the primal way of design: the hand. The sketchbook. It means taking simple chances and keeping a clean and forward way of thinking on the matter.

Pablo Corral said it best: the technology is there, sure enough, but there’s something deeper. Corral was, of course, linking everything to photography, but design also has a language and poetry that must be dealt with subtlety, simplicity and, of course, cleanliness. All of this in order to achieve balance, to have a neat design. One must keep it simple, not only on paper for information’s sake. You see, even after all that these amazing designers have done, there’s still simplicity at heart. They believe in what they do, they inspire us, students, professionals, teachers, to do better. They keep it simple. They keep it clean; that’s how they do it, and how we should do it. Keep it simple. Keep it clean.

Luke Hayman comparte en su charla, los trabajos a lo largo de su experiencia en el diseño editorial. Se pudo apreciar diseños de revistas reconocidas internacionalmente como es el caso de la revista TIME y I.D., como así también puestas en página, rediseños, ilustraciones, gráficos, etc., de Brill’s Content, Travel + Leisure y New York.

¿Qué se puede hacer en la web que no se pueda hacer en una revista? Más detalle, más detalles técnicos. Se puede extender el contenido, videos, películas, todo el material que no entre en la revista, puede ser subido a la web.

Sobre su llegada a TIME, dijo: “Como consultor, uno llega a un lugar y dice: ¿qué hace esta gente? ¿Por qué es tan inconsitente? ¿Qué pasa aca?”

Lo chistoso

• “Muchas gracias por volar con Luke Hayman, y bienvenidos a bordo”
• Sobre su trabajo en rediseñar TIME: “Todo lo que está mal es merito de ellos, y lo bueno es mérito mio”

Léo Tavejnhansky durante su charla “O Globo a todo color” dio a los presentes un paseo por los 14 años del diario desde que se implemento el proyecto gráfico de Milton Glaser. Este proyecto le significó al diario y a su equipo de trabajo decenas de premios a nivel nacional e internacional.

Tavejnhansky expuso como el éxito del diario brasilero ha estado basado en propuestas gráficas impactantes, que significaron cambios visuales importantes dentro del periódico. Un éxito que se centró tanto en el diseño inteligente de sus portadas, como en los suplementos especiales, un uso inteligente de la fotografía y la continúa presencia de la ilustración.

Entre las páginas premias de O Globo, Léo Tavejnhansky compartió con los presentes como el uso de blancos en las portadas del diario marcó un momento decisivo en la historia gráfica del periódico y permitió, además, que se creara un modelo de diagramación conceptual.

Tavejnhansky charla sobre la historia gráfica del periódico. Fotos por ANDREINA FERNANDES via Flickr

Igualmente, se usaron grandes fotografías para apoyar las noticias más resaltantes. Un ejemplo representativo fue previo a la llegada del nuevo milenio. O Globo, por primera vez en su historia, usó un recurso que suele ser común en periódico de menores dimensiones y fue la de presentar la foto a doble página, uniendo la portada y la contraportada.

O Globo presentó una foto usando la portada y la contraportada, por primera vez en su historia, para la llegada del nuevo milenio.

Las ilustraciones tambien ocupan un lugar importante en la historia del diario. Desde la primera edición, en 1925, O Globo comenzó una tradición que perdura hasta el día de hoy y es la de presentar en su primera página una caricatura de corte político. En la actualidad la caricatura de Chico puede ocupar cualquier posición dentro de la página y en ocasiones puede hasta convertirse en la imagen principal de la portada del diario.

Lo cierto es que Léo Tavejnhansky enseñó a los presentes como se pueden hacer propuesta gráficas arriesgadas, que comuniquen al lector de forma eficaz y que le han proporcionado al periódico más de 40 premios a nivel mundial por el notable trabajo que han realizado a nivel de prensa escrita.

There are more than 200 festivals celebrating photography in France, and most were born with the same goal in mind — to promote photography and photographers, and legitimize their form of art and interpretation. 

PhotoEspaña is of of the more important festivals in the world, says Claude Bussac, festival director, because it recognizes all classes and aspects of photography. It increases public understanding and appreciation of photography as both an art form and a means of visual communication. 

The festival, she says, truly celebrates the work of not only photo journalism, but many different styles and approaches. The festival also promotes artists who are not yet well known, and gives them opportunities to take workshops, show portfolios, and network in the world of photography. 

Bussac says the root of the festival’s success lies in its design — Photo España would not be successful if its organizers did not know how to display an image. Through the use of exhibitions, catalogs, and magazines, the people of Photo España create striking displays that bring the art of photography to the forefront of public awareness. 

The program also reaches across artistic and cultural boundaries, never choosing one style of photography over another. Being open to different styles is important, she says, because it creates an opportunity for everyone to learn from the work of others and see what else is being done in the world. 

PhotoEspaña welcomes submissions from photographers all over the world, and holds smaller-scale festivals in South America, as well as many other places. 

In a time when the art of visual communication is constantly changing, says Bussac, it is important that those doing the work stay in touch with one another and are aware of how all styles and approaches are continuing to evolve. 

Citing super heros that made his mother smile, to monsters that almost made her commit him, Luiz Iria showed that creativity is at the root of all art, even the most realistic. 

Now the director of Editora Abril’s infographics department, Iria says the best information graphics should preform three main functions: They provide information quickly and accurately, attract and surprise through striking images, and create emotion a reader can connect to. 

The best graphics, Iria says, are those firmly grounded in reality. The more realistic the setting of the graphic, the easier it is for the reader to dive in and connect to the information. 

Iria strongly emphasizes detail, especially texture. To create the most accurate textures possible, he utilizes photoshop frequently. This allows him to render anything from dinosaur skin to the bricks in the Great Wall of China. 

To maintain accuracy, he does extensive research for every story, keeping in touch with the reporter throughout the process of each graphic. Iria shows the “non-visual” people what he plans to do with rough sketches and drafts. This way they can see where the project is going and gather information specifically for the flow of the design. If graphic artists make an effort to keep the reporter involved, he says, the piece will be a success. 

Some may argue that super-realistic graphics are visually overwhelming, but Iria says a graphic should be placed in a way which helps the reader understand the context. His realistic style is inspired by the great artists of the Prado in Madrid. 

Especially when showing something that it is impossible to photograph, such as dinosaurs or microscopic human biology, he says, a graphic should be an adventure. It should have motion, emotion, and help the reader understand something in a unique, but still precise way. “I was a creativity factory (as a child),” Iria says, “and that evolved into professional work.”

El sábado 26 a las 10 am Alberto Cairo dictó su segunda conferencia en el congreso. Ésta estuvo enmarcada dentro de las conferencias gratuitas para estudiantes que la SND incluyó en el programa oficial.

Actualmente Alberto Cairo es Profesor de la cátedra James H. Schumaker de Infografía y Periodismo Multimedial de la Universidad de North Carolina en Chapel Hill. Comenzó su trabajo como infografista en 1997 en el Diario La Voz de Galicia como pasante, y luego trabajó en el Diario 16 (dejó de editarse en 2001). Entre 2000 y 2005 trabajó para el diario El Mundo (España) en el departamento de infografía multimedial. En 2005 se trasladó a EEUU.

En su conferencia Alberto Cairo expuso dos maneras de capacitarse en infografía. Una es siguiendo una carrera universitaria, y la otra, de una forma autodidacta, que es el camino que él siguió.

Desde que dejó de trabajar en el acelerado ritmo que imponen las redacciones de diarios y empezó a dictar clases en la universidad, ha tenido tiempo de reflexionar sobre las maneras de capacitarse en el diseño de infografías. Observó que no existen manuales específicos sobre infografía, y en cambio el único material relacionado cn este área son enormes catálogos de infografías, que pueden ser muy útiles al momento de conocer las últimas tendencias en cuanto a gráficos, o para ver ejemplos de buenas resoluciones gráficas, pero que no explican cómo hacer buenas infografías. Dada esta falta de desarrollo teórico específico, propone que la mejor manera de capacitarse en el área de la infografía es estudiando los desarrollos teóricos de disciplinas que nutren a la infografía, que están relacionadas no directa, sino indirectamente con el diseño de infografías.

Es así que considera fundamental estudiar sobre:

• Cartografía
• Psicología cognitiva * Periodismo
• Visualización estadística
• Multimedia

El tiempo fue tirano y estos temas no pudieron ser tratados con la profundidad en que los trató en su conferencia del día anterior. La exposición tuvo que quedar sin terminar para no atrasar el resto del programa.

Sin embargo, uno de los mensajes más importantes que creo que Alberto Cairo dejó a todos los asisentes a su conferencia es la importancia de capacitarse no sólo en la tarea específica que como profesionales pretendamos desarrollar (en este caso en el diseño de infografías) sino también la importancia que tiene capacitarse en disciplinas que toquen tangencialmente a la nuestra, que la nutran, que la enriquezcan. Sólo aprendiendo sobre las disciplinas con las que está relacionada una tarea es como se logran los mejores resultados en ésta.

El diseño de infografías es un acto de la comunicación. El objetivo de éstas es comunicar un mensaje no sólo a través de las palabras, sino combinando éstas con gráficos, ilusraciones y esquemas. Dado que este área se inscribe dentro del ámbito de la comunicación, es importantísimo conocer sobre otras disciplinas que también tienen que ver con el proceso de comunicación. Y esto es persisamente lo que Cairo expuso en su conferencia.

Al enfrentarse a la creación de una infografía, el equipo que estará detrás de ella debe organizar una gran cantidad de información, encausarla por un foco correcto y tangibilizarla sobre un soporte. Jeff Goertzen —quien dirige el departamento de infografía de The Denver Post, teniendo una extensa carrera en el diseño de infografías, y quien fue candidato a la presidencia de la SND— comienza su primera conferencia en esta versión 09 de la SND con la pregunta de cómo y cuáles son los pasos en el proceso de trabajo de una infografía. La pregunta incorpora al reconocimiento e importancia de las partes del equipo y su interdisciplinaridad. Goertzen así, comienza a enumerar una serie de elementos que son vitales para la creación de buenos infográficos:

1. El equipo: editores gráficos, ilustradores, modelador de 3d, periodista visual… cada una de las partes debe tener un rol claro.

2. Investigación en terreno: Goertzen reconoce a Internet como un elemento de investigación y no la fuente en sí. Asume la investigación en terreno como la más completa y directa de las fuentes. Se debe realizar siempre que uno se enfrente al proceso de diseño de infografías.

3. Boceto y esquemas: Goertzen descarta tajantemente la posibilidad de que un infografísta no sepa dibujar. La herramienta primordial que todo periodista visual o infografísta debe tener es la habilidad de transmitir sus ideas de forma visual. Aquel que no sepa dibujar, simplemente no podría ser un verdadero infógrafo.

4. El diseño: el primer paso es concebir la idea visual por medio de los primeros croquis, y la diferencia con la etapa de diseño estaría en que esta define por completo los elementos en el espacio, su distribución, organización y jerarquía considerando su importancia y forma de lectura según un foco específico.

Luego de mencionar este punto, la presentación de Jeff tiene problemas de reproducción por la poca batería que quedaba en su computador. El asistente técnico viene en su ayuda y la presentación continúa.

1. Edición del gráfico: las correcciones y ediciones del gráfico deberán ser siempre sobre el croquis, siendo la manera más efectiva para no olvidar ningún detalle o tener que trabajar dos veces sobre los mismos errores. Es el documento transversal para que el equipo acuerde como continuar luego de la revisión de su trabajo.

2. Estilo: una vez definido los contenidos, su distribución y jerarquía en el soporte, se debe definir su estilo gráfico: 3d, ilustración, fotografía…

Cada elemento del infográfico respondería a un estilo que ayudará al mejor entendimiento de su función para la comprensión total de la pieza gráfica.

Mientras Goertzen exponía esta último punto, su computador finalmente se apaga y queda sin batería. No es posible continuar la presentación y el tiempo también estaba sacando a Jeff de la sala.

En una entrevista posterior, es posible ahondar con Jeff sobre la importancia del dibujo en el proceso de diseño de las infografías. Él aconseja que aquellos que no tienen habilidades para ello, sí deben tratar de ejercitarse y formar un pensamiento visual en lo posible. También da la sugerencia que aquel que no sabe dibujar debe anticiparse a ello y buscar otras técnicas que remplacen la carencia, como el uso de fotos, collage, 3d entre otras. Con esto reconoce que la belleza o impacto visual que una infografía puede tener es clave para atraer al lector y compenetrarlo con los contenidos. “Quiero que la gente vea mi gráfica, y que estás sean tan bonitas que arrastren. Que la gente las saque y cuelgue en su pared”, afirma sobre esto.

Al presentar a Luis Chumpitaz sólo es suficiente decir que cambió la infografía de Dubai. Uno de los grandes méritos de Chumpitaz es realizar sus infografías en árabe e inglés. Este expositor define como necesario aprovechar el crecimiento emergente de Dubai y los recursos económicos de esta gran ciudad para desarrollar el periodismo infográfico. Para su suerte, no se utilizaba en la prensa de Dubai, ni siquiera se usaban fotos en los diarios. “Los diarios parecían unos manuscritos, con una tipografía brillante, pero faltaba la imagen”, dice Luis.

El gran desafío del infógrafo peruano, en un principio fue entender el idioma, educar a los diseñadores y combinar la generosa tipografía árabe con el diseño. Junto a ello asimilar conceptos y construir las infografías de derecha a izquierda, pues así leen en Dubai.

Entonces tuvo que establecer y proponer nuevos órdenes de lecturas, incrementar el tamaño y el uso de iconografías junto con cambiar la tipografía a una más sobria y jerarquizada.

Entre sus trabajos destacan dos. El primero es un registro de la historia de Dubai y su acelerado crecimiento. El segundo para las olimpiadas, donde trabajaron las ilustraciones con té. En general lo que Luis más rescata de su trabajo es la multiculturalidad que lo rodea.

Q&A

P: ¿Cuál fue tu mayor desafío? R: El tiempo.

P: ¿Pudieron sondear si a la gente le gustaban las infografías? R: Sí, la demanda del periódico aumento un 30%, difundieron por televisión que iban a salir infos en el diario.

P: ¿Otros medios comenzaron a hacer infografías? R: Sí.

P: ¿Existe algún parámetro para la cantidad de texto e imagen en la prensa árabe? R: No, se determina la cantidad de texto según la información.

Jaume Serra es autodidacta. Es español y se considera periodista de profesión. Trabajó como ilustrador y luego como infografista en el Periódico de Catalunya. Más tarde trabajó como infografista para Clarín (Argentina) durante varios años. Luego volvió a España para trabajar como consultor de varios periódicos y revistas, entre ellas La Stampa (Italia), The Independent (Inglaterra), ABC (España), y Diario de Noticias (Portugal). Actualmente es responsable de infografía de La Vanguardia, periódico de Barcelona.

La conferencia tuvo en un ambiente distendido, mientras Jaume matizaba su disertación continuamente con mucho buen humor. Esta característica de su personalidad y la originalidad de sus trabajos hacía imposible no seguir atentamente la conferencia.

Comenzó la charla con su infografía de la Ballena Franca Austral que realizó para Clarín. Fue realizada siguiendo los códigos universales de diseño de la información, pero las ilustraciones fueron hechas completamente a mano, lo que le aportó un aspecto rupturista en lo referido a la generación de gráficos, al no ser hechos por computadora. Las ilustraciones tienen un alto nivel de detalles artísticos, y no meramente informativos, como se puede ver en la ballena, en cuya piel se dibujan figuras relacionadas con el mar. Además, en contra de lo que puede ser esperado, el ambiente general del trabajo no referencia al mar, y al contrario usa colores cálidos dentro de los marrones. Su inquietud en el momento de realizar este trabajo estaba relacionada con el uso estético de los recursos gráficos, con hacer las cosas bellas, además de funcionales. Considera importante en toda su producción gráfica que como resultado, además de funcional, cada trabajo tenga un alto nivel estético, que sea bello visualmente.

“En España la cantidad de personas que tienen fe en Ikea duplica la gente que tiene fe en la Iglesia Luterana”

Avanzando en la conferencia Jaume mostró cómo los gráficos de construcción de los muebles de Ikea (gigante supermercado en España que vende muebles para armar en casa) generan fe en los clientes. Los gráficos explicativos sobre cómo armar los muebles tienen tal nivel de claridad que cualquiera es capaz de comprenderlos. Jaume considera que su claridad y pertinencia a la hora de mostrar el paso a paso han dado como resultado en los últimos años una eficacia tal que sus clientes confían en Ikea, tienen fe en Ikea. Y que éste es un aspecto que actualmente le falta al periodismo.

La conferencia avanza y de pronto Jaume habla sobre la visualización de estadísticas. En un trabajo reciente usó los gráficos que genera Google Trends para la graficación de las estadísticas del uso de ciertas palabras en la web. Es así como él tomó ciertas palabras como amor, dios, suicidio, etc y combinando los gráficos generados por Google generó una infografía que muestra comparativamente en qué medida son usadas estas palabras en la web.

Fe en Dios, como buscas de Google

Jaume Serra. Gráfico modificado de Google Trens que muestra las estadísticas del uso de la palabra “dios” en la web, a través de los años.

Serra muestra su infografía a partir de los gráficos estadísticos de Google Trends sobre la cantidad de veces que ciertas palabras fueron nombradas en la web (“amor”, “dios”, “suicidio”, etc).

Infografía a partir de los gráficos estadísticos de Google Trends sobre la cantidad de veces que ciertas palabras fueron nombradas en la web (“amor”, “dios”, “suicidio”, etc).

La última parte de la conferencia tuvo como protagonista su proyecto de visualización de la actividad sexual de 3 parejas. Para su realización generó una grilla de 365 columnas que representan cada uno de los días del año, y a su vez cada día estaba divido en 7 partes iguales de colores, que significaban 7 prácticas sexuales diferentes. Pidió a cada una de las parejas que pintaran de un color cada una de estas divisiones según su actividad sexual diaria. Los días que no tenían sexo estaban representados completamente con color negro. Al cabo de un año obtuvo 3 grillas que graficaban la actividad sexual de cada una de las parejas.

Tal vez el mensaje más importante de la conferencia fue que la información y los datos estadísticos están por doquier. Pero lo interesante es encontrar una buena manera de graficar las estadísticas, de hacerlas representativas, de lograr que dejen de ser solamente números, y puedan ser traducidas en imágenes que le sirvan a las personas para darse cuenta de la magnitud de esa información.

Y finalmente, una frase que proyectó en su conferencia sintetiza su pensamiento sobre el uso y priorización de la estética en los gráficos: “Utilizas la estética como un borracho la farola?: Más para apollarte que para iluminarte?”

La segunda conferencia de Pablo Corral en el congreso de la SND09 estaba en el marco del programa de estudiantes. Sabiendo esto, Corral lo primero que hizo fue preguntar quiénes éramos los que estábamos presentes. El público estaba formado principalmente por estudiantes de diseño, y en minoría por estudiantes de periodismo e interesados en la fotografía. Una vez abierto el diálogo, Corral se presentó como fotógrafo y periodista, amante de los libros, docente en Miami y fundador de un sitio de fotógrafos latinos (www.nuestramirada.org).

Su gran pregunta era qué está pasando con la fotografía ahora. Con este cuestionamiento planteó que “la tecnología mató el secreto de la foto análoga”. Según Corral, ya no es necesario conocer las herramientas secretas del fotógrafo quien era el único que sabía de hazas, rollos y soluciones químicas reveladoras de la imagen. Así como el mago de Oz fue descubierto, la tecnología le ha quitado al fotógrafo la exclusividad del registro visual.

Hoy es posible obtener buenas imágenes de decente resolución con cámaras fotográficas tan buenas como las que un fotógrafo profesional puede obtener. Pero lo verdaderamente revolucionario es la distribución de las fotos, en nuevos espacios de exposición que también son producto de la tecnología. Corral asemeja esta revolución a la que vivieron los monjes escribas medievales: pues aunque eran los únicos que tenían las llaves del lenguaje (saber leer y escribir), quedaron prontamente cesantes luego de la invención de la imprenta de tipos móviles de Guttenberg. Fue la democratización del lenguaje escrito y hoy vivimos la democratización de la fotografía.

Al igual que con aquella primera revolución, donde comenzaron a abundar buenos y malos textos, hoy hay cientos de fotos, pero “pocas joyitas”. Hoy existen tantas imágenes y fotógrafos que no abundan las posibilidades de publicar. Por ello hoy hay que ir a lo esencial. Bajo esta premisa, la organización de fotógrafos reunidos en nuestramirada.org imprimirá próximamente una revista de fotografía conceptual de exponentes de la misma comunidad latina.

Corral hizo énfasis en dos aspectos actuales de la profesión del fotógrafo :

1. Estar presentes a la hora de tomar la foto: “Uno esta vivo hoy y aquí, y hay que aprovechar eso! Eso te enseña la foto: que en ese momento la vida es esa: el cielo es azul, descubres esas texturas, y las observas”. De manera muy inspiradora, Corral invitó a su audiencia a que se hicieran concientes de que el momento en que la cámara dispara no se repetirá nunca más. Es un momento único y se debe estar despierto para capturarlo de la forma más completa posible.

2. Usar la cámara de fotografía correctamente: la cámara es un arma, que debe ser disparada con especial cuidado. Es un puente que nos liga a ese momento, a ese lugar y a esas personas que serán retratadas. “Cada persona que conocemos en nuestras vidas se queda con nosotros, nos dejan algo. Somos la suma de nuestros encuentros”, explicó Corral. La foto es la oportunidad para ponernos en los zapatos de los otros. Lo más importante de la foto es conseguir la intimidad con el otro, conocer su historia y escuchar como es contada. Es necesario tomar fotos con el alma, con el corazón.

Según Corral, no hay nada mas fascinante que lo verdadero. Debemos aprovechar la riqueza de la complejidad del mundo, dándole importancia a nuestra historia. El uso de tecnologías para retocar imágenes tiende a distorsionar esa riqueza, esa verdad que está en nuestra historia. Es por eso que Corral recomienda usar esas herramientas de la tecnología con respeto y cautela.

Para terminar, Corral responde dos importantes preguntas respecto al grado de espontaneidad que alcanza en su trabajo, y sobre cómo se relaciona con el entrevistado. Para ambas respuesta se compromete como fotógrafo y como periodista, y como tal acepta la condición de que no es posible contralar siempre todas la variables que se encuentran a la hora de entrevistar a alguien, o de disparar la cámara. Advierte que es posible prever situaciones idóneas para tomar una buena foto, sin embargo siempre se debe estar alerta para inmortalizar el momento exacto. Respecto a como relacionarse con el entrevistado, señala que nunca es posible ser uno más dentro de una conversación o momento. Uno debe acercarse en puntillas, con mucho respeto y admiración.

Sin dudas, la conferencia de Pablo Corral es posible traducirla a muchas otras disciplinas aparte de la fotografía. La situación que muchos profesionales enfrentan producto de los nuevos medios y herramientas tecnológicas hace que sea necesario que tengamos presente más que nunca que pongamos en nuestro trabajo, el alma y todo el corazón.

Cualquiera se preguntaría, ¿Qué tiene que ver Hannah Montana, la cantante estadounidense, en una charla sobre la fotografía en la SND? Para Ricardo Mazalán, editor de fotografía en The Associated Press en Bogotá, un fotomontaje de la cantante con una niña argentina sirvió como punto de partida para preguntarnos como fotógrafos de prensa, periodistas o en los medios sobre la credibilidad en la fotografía y en la prensa en general.

Más temprano se llevó a cabo la charla ofrecida por Pablo Corral (quién charló sobre “Photography as a tool for dialog”) a quien Mazalán recordó al exponer que hoy en día todo el mundo saca fotos, los mismos medios estimulan a que las personas saquen esas fotos, ya que les puede servir lo que toda esa gente con cámaras pueda ofrecerles sobre hechos noticiosos. Por esto, y gracias al “miedo” creativo de muchos fotógrafos, al ver las fotografías es difícil no sentir un sentimiento de “déjà vu”, como si estuviéramos repitiendo fórmulas, haciendo las mismas historias, con los mismos recursos, pero en lugares diferentes.

Para Mazalán, “La industria periodística se enfrenta al hecho de tener que conservar la credibilidad frente al exceso informativo”. Entre otras cosas, por el cuestionamiento que se genera alrededor de la misma y sobre el funcionamiento de la fotografía como elemento que recoge acontecimientos reales. “La credibilidad se vuelve importante ante el exceso de imágenes, la cual hay que proteger desde el fotógrafo hasta los medios”.

Se debe, además, sacar partido de los avances tecnológicos que no sólo le permiten al fotógrafo contar con un espacio ilimitado para lo tradicional, sino que sirven para acercarnos a “miradas frescas de lo cotidiano de las personas, de la vida”.

Sin duda, para Mazalán, es necesario seguir cubriendo los eventos que son de interés. Hay fotos que van a perdurar en el tiempo y que representan grandes momentos. Pero no hay que olvidar que hay mucha fotografía por hacer, no solamente en las grandes historias. “Tendemos a repetirnos y de alguna manera fotografiamos cosas que, probablemente, sólo vive el 10% de las personas”. El exceso de exposición de algunos temas (por eso se habla del “déjà vu” al ver un fotografía) es una responsabilidad de conjunto. Para Ricardo Mazalán es una responsabilidad que comparten desde los medios, hasta el público y los fotógrafos. “Por eso mantener y desarrollar la credibilidad son los desafíos para los fotógrafos como generadores de contenido”.